经常去看展的话，不难发现，其实看展的人大多分为两类。一类是喜欢艺术，奔着美术馆或是博物馆里的“展览”而出发；另一类，主要是受“展览”以及其所在的“艺术空间”所吸引，喜欢它们的外观、地理环境等。
对后者来说，看展本身可能没那么重要，沉浸在艺术空间所带来的美学氛围，被建筑的美感所吸引，享受空间结构所带来的磅礴气息或是精巧设计。兴致到位，再拍拍照、留个影，同样也是一种对艺术的欣赏。
甚至一些艺术空间的存在本身，就一直凭借其极具设计感的外观，以及得天独厚的地理环境吸引着大家前往打卡参观。
在我们身边，有湖边的麓湖·A4美术馆。其开阔的视野和周围优美极具舒适感的地理环境，总是吸引着大家往城南跑，在A4看展从来不止是看展，湖景、草坡、红岩，巧夺天工的景观设计让散步都变得极有意思。
图源/麓湖·A4美术馆
而地处老君山下的知美术馆，其得天独厚的自然环境便已是让人欣然前往的理由。靠山而生、清幽雅静，望外是一片山色，观内又是一场又一场的艺术展览。
看展览，艺术空间本身，便是第一件艺术品。
图源/知美术馆
有的美术馆靠湖而居，有的美术馆生于山下，而在今年，城南又新添了一座“长”于森林中的美术馆——森的美术馆。
森的美术馆位于城南的天府新区老龙梨花公园，离城市远，离自然就更近，也为看展旅程平添了一些期待。白墙、青瓦，远远地隔着梨花便能瞥见其净白的外貌，简约中，又透露着传统的中式之美。
而为其锦上添花的，还有两棵含苞待放的蓝花楹。最大的一棵种在美术馆外的庭院当中，而另一棵，“长”在美术馆里。在外的与美术馆本身相映成趣，在内的又和馆内展览、作品隔窗互望，两抹生机，使得森的美术馆“活”了过来，即充满生机，又让自己在所处的“森林”环境中自然适宜，毫无违和。
从外入内，在森的美术馆中正在展出两个展览，一楼的架上视觉七人展“他者的灵光”，以及二楼的“Sense+”国际艺术交流展。
在一楼可以尽情感受架上绘画作品的美感与情绪传达，来到二楼还有来自不同国家的艺术家，用多种不同的艺术形式，向我们展示他们的艺术风格。
01
“他者的灵光”
观看，是与作品最直接的交流
一楼的展览是一场架上视觉七人展，全是架上绘画，上一次看纯画作展览，还是在成都博物馆看欧洲的油画展。在那个阶段，画家以工匠身份存活于世，岩洞中的壁画、宫廷中的肖像、皇家指定的场景画……
而这次，观众成为创作现场唯一的“他者”，七位艺术家通过架上绘画作品的展示，在“他者”的观看中，完成了这场情绪的直接交流。
胡峻涤，《无题》
刚一进门，便被胡峻涤的《无题》牢牢抓住。其实很多时候看到“无题”的作品我都会更感兴趣，因为能够理解艺术家不想用名字去概括，或是表达一件作品的心情，无题，反而留足了想象空间。
冷峻的画面透露着冷静的直觉，但细观大幅布面的呈现，冷静的外衣之下却充满了冲突感。
整个作品分为上下两部分，据说上面的部分还是这次展览专门补画的。婴孩、女性若隐若现，由下至上，好似一次生长，即将突破天窗，破开天际，逃离这黑压压的场域。
以往看展，遇到绘画作品总会不自觉地避开，或是一眼扫过。因为总担心自己看不懂、不理解。但慢慢尝试着去观察与了解之后发现，其实欣赏架上绘画和摄影、装置、雕塑等其它形式的艺术类型都是相通的。
观看、注视，直观的情绪传达，自身情绪与画中所描绘的场景之间，无时无刻在进行着最直接的交流。
胡峻涤，《潮—92中国沿海印象》
如果说谈观感上的情绪传达，没有那么容易入手，那么从观察作品的细节开始，看架上绘画就会开始变得有点不同。朱沙的风景画作品大多以鸟瞰式的视角为主，而宏大、广阔的大局之下，细节，反倒更加吸引人。
朱沙，《巴蜀遗韵》
他的作品有着丰富、厚重的色彩构成，远看满目秋色、白雪皑皑，近看色彩又有许多不同的层次。而且近看画幅表面，颜料的堆砌、仿佛使得色彩如霉菌一般是从画面上生长出来的，细节之处的特殊，使得整个大景生活起来，富有活力。
而在廖新松的画作里，强烈的色彩映入眼帘，随之而来的就是强烈的情绪宣泄。
廖新松，《皮筋列传2》
在这种意象具现化明显的画作当中，个人特征尤为突出。而廖新松的特征，就是头顶上的灯。
艺术家段君说到，“廖先生是在传达一个内在的情绪。作为一个内在情绪的表达，需要找到一个出口，这个出口就是头顶上的灯。”
在时代瞬息万变的当下，他以头顶上的灯为口，推开了自己的情绪传达之门，各式各样的人物，或歪或斜或平或正，以各种姿态顶着头上的灯，你要说讽刺？有，痛苦无奈，也可能存在。
艺术家负责表达“自我”，提出问题，给到意象，而不同的观者，正如不同的朋友，聊的天不同，感受自然也不同。
廖新松，《杂耍的时代系列之二》
相比隐晦、偏个人情绪的表达，公众情绪的传递是大家最容易接收的。
在孟涛的《物欲》之中，整个世界都是物欲的化身，贪婪、勾心斗角、尔虞我诈，他用多种材料在画布上进行创作，将这些物欲世界最露骨的公众情绪，展现在你我面前。
孟涛，《物欲》
珍珠项链、宝石、筹码、金币，这些欲望的化身都是七彩的，而深受欲望牵扯的人类，都是黑冷的。夸张的表情，吃人的神态、渴求一切的双手，还有永远填补不满的欲望，满溢画布。
在这场魔幻又荒唐的狂欢之下，物化的人性显露无疑。深受消费主义消耗的你我，似乎都能从这幅作品当中捕捉到共感的情绪表达，在那一刻，不同时空、时间下的你我，心神合一，共同与艺术家进行着情绪的对话。
感受架上绘画的魅力是一件需要平心静气才能做的事。但当你捕捉到其中的情绪，摸到门路的时候，便会被其牢牢抓住，时而在一幅作品前驻足良久，时而近看远望，前后踱步，去感受作品的变化。
唐骐，《森斯提夫.生存的权利》
02
“Sense+”
感官叠加，带来独特的艺术体验
从建筑风格上来看，森的美术馆既有着中国传统文化风格的青瓦，同时，也拥有象征当代艺术活力的白墙。在展览内容上，亦是如此。
走入二楼，中庭回廊显得更加明亮，将人瞬间从一楼较为深沉的环境中抽离而出，接下来的半程，当代艺术的多元化，将通过不同的感官，不停冲刷你我的大脑。
视觉上的感觉来的最快最直接，王睿的作品系列都拥有非常丰富又饱和的色彩，各种渐变色块堆叠凭凑，形成的背景简易而又具有未来科技感。
“未来佛”出现在画面中央，传统文化的影子以新的形态呈现，毫无违和感，竟还让人觉得甚是合理，未来佛，自然是在未来。
王睿，《未来佛》
在二楼展厅的中间，作品《未来佛》又通过亚克力板的悬挂形式在此呈现。阳光透过玻璃照进展厅，站在作品前，不同的折射角度与材质，使其变得魔幻起来，拼凑的不仅是色块，自身的影子也变得虚幻、如梦亦如电，而当我们换个角度再去观看时，一切又重新回归碎片，宛如一切从未发生。
王睿的作品中出现了代表传统元素的神佛，而说到杨家勇，“修行式绘画”便是他的日常生活。
杨家勇，《theone系列》
他的绘画作品初见时常会觉得与草间弥生相像，但他也不排斥，在他看来，图案和绘画语言就是他与外界之间，最真诚的通道。
他的作品之所以称之为是修行式的绘画，站近了看，你就全明白了。这是近乎于变态的点状式绘画，巨量的点出现在眼前，任何一个密恐看了都会睡不着觉。
而且他的细节之处更是夸张，画作的留白之处，居然也是点状绘画所形成，大写的一个服气。
多样的创作形式不仅如此，在艺术家斋藤研佑的作品之中，还借鉴了唐卡创作的方式，把藏区的矿物颜料运用到自己的创作里，并以自己的方式去诠释宗教，去诠释他一直以来的创作主体：生与死的轮回。
斋藤研佑，《colors》
当我看到德国艺术家ElmarDiks的作品时，甚至误以为是自己眼花，但其作品确实具有模糊感的效果。他试验性地把材料转换为数字的格式，用这种方法来对画面进行重新进行诠释。
ElmarDiks，《PublicWebcam》
细观每一处便会发现，艺术家弱化了原始的照片，将破裂的天花板、墙面的裂缝，和磨损的痕迹相结合，并将它们转换成了另外一个世界，一个神秘而深不可测的世界。
对于艺术家Alice而言，无论一件作品是否好看，她都试着在创作过程中彻底地处理每一个细节。画幅之上，各种新鲜的创作手法都在作品中呈现，咖啡或是茶水的污渍，还会用针线的缝合效果来加强肌肉的线条感。
Alice，《weboflife》
当代艺术不拘泥于某一种风格或技巧，艺术家们将精力，投入到去发现和融合每件艺术创作的独特所在。从“自我”的情绪出发，通过各种感官传递，最终回归于观者的情绪共鸣。
在“山林”之间，艺术馆的存在既是人类存在的痕迹，又是人类回归自然的征兆。馆外是自然“森林”，馆内是艺术“森林”，作品透过感官传达情绪，艺术馆透过展览与人联接，林与林之间达到和谐共生，使得看展不止是看展，更是走进自然又贴近生活，为我们带来一次又一次的身心舒展之旅。
他者的灵光·架上视觉七人展
年6月5日-延期中
森的美术馆
free
Sense+·国际艺术交流展
年9月25日-延期中
森的美术馆
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编辑丨不睡觉
未标注图源来自丨不睡觉、谭诗凡
